Le sculpteur kényan Gakunju KAIGWA évoque le sacré du bois et de son art fonctionnel dans Ancestral Grain
Commissariée par Tewasart et Patrons, à Nairobi. Modérée par Alice Kamanzya.
Le sculpteur kényan Gakunju Kaigwa fait son retour avec Ancestral Grain, une exposition personnelle présentant des sculptures fonctionnelles réalisées à partir d’arbres tombés et ravivés. L’artiste confirmé y réfléchit à la dimension sacrée du bois et au sens des objets fonctionnels qui nous entourent. Ancestral Grain est visible au Village Market, sous le commissariat de Tewasart et Patrons, jusqu’au 31 mai 2026.
Image: Gakunju KAIGWA | Crédit : Godwin Olusegun
Chaque grain de bois raconte une histoire. Dans Ancestral Grain, Gakunju KAIGWA offre une seconde vie aux arbres tombés — une vie qui honore leur longue mémoire et l’énergie invisible qu’ils continuent de porter. Ces arbres ont autrefois été enracinés dans la même terre qui a nourri des générations. Ils ont senti le vent porter des chants, la pluie bénir les récoltes, les pas et les rires de celles et ceux qui nous ont précédés. Tels des héritages de la terre, ils portent la vibration du temps — la sagesse silencieuse de la résilience. Dans cette conversation modérée par Alice KAMANZYA, Gakunju KAIGWA revient sur son attachement au bois et sur la philosophie qui l’amène à transformer des arbres tombés en sculptures fonctionnelles, pleines de vie.
Chaque sculpture d’Ancestral Grain est un vecteur de continuité — où la nature, l’ancestralité et l’art s’entrelacent. Dans chaque surface polie et chaque courbe vivante, un rappel s’impose : l’arbre ne meurt jamais vraiment. Il change simplement de forme — portant le souffle de nos ancêtres dans les espaces où nous vivons, nous asseyons et rêvons. Le 02 mai, Tewasart et Patrons ont organisé une conversation avec l’artiste Gakunju Kaigwa au Village Market, modérée par l’artiste kényane Alice Kamanzya.
Alice KAMANZYA : Quarante-cinq années d’expérience dans la sculpture représentent un parcours exceptionnel fait de savoir, de discipline et d’évolution artistique. Qu’est-ce qui vous a inspiré pour votre exposition personnelle Ancestral Grain, et quelle histoire cherchiez-vous à transmettre à travers ces œuvres ?
Gakunju KAIGWA : La sculpture fonctionnelle est un projet que je développe depuis longtemps, une idée qui s’est construite progressivement au fil du temps. Pendant de nombreuses années, j’ai créé des sculptures dites conventionnelles, principalement des œuvres figuratives. Je me retrouvais constamment à dessiner des figures issues de différentes sources — des magazines, des observations ou des idées aléatoires. J’ai encore des croquis datant de 1983. Je faisais de petits dessins et je prenais toujours soin de les dater.
Il y a environ dix ans, j’ai réalisé que j’avais accumulé une grande quantité de croquis et j’ai commencé à réfléchir à la manière de les transformer en quelque chose de tangible. Beaucoup de ces dessins étaient anciens, et je devais interpréter et réinventer ces lignes parfois floues pour leur donner une forme réelle.
À la même période, je réfléchissais également de manière approfondie au tabouret à trois pieds comme objet de fonction quotidienne et de mémoire culturelle.
Je me souviens que, lorsque nous étions enfants, nous voyions des tabourets décorés de perles masaï, mais aujourd’hui ils sont de plus en plus difficiles à trouver. Cette disparition m’a attristé, et j’ai ressenti le besoin de raviver cette chaleur, cette familiarité et ce lien émotionnel.
Mon intention était de réinterpréter cette forme de manière à la rendre toujours fonctionnelle, tout en introduisant un design contemporain authentique, porteur de ces souvenirs. J’ai commencé par de petits tabourets simples, puis j’ai progressivement évolué vers des chaises plus grandes, des tables et des bancs. C’est un travail qui reste en constante évolution.
Alice KAMANZYA : Ancestral Grain a lieu 28 ans après votre dernière exposition personnelle. Pourquoi avoir attendu aussi longtemps avant de présenter une nouvelle exposition solo ?
Gakunju KAIGWA : Ce n’est pas la première fois que j’expose des sculptures fonctionnelles. La première fois remonte à 2015, dans une exposition collective avec un artiste et peintre. La majorité de ses peintures étaient accrochées aux murs, tandis que j’occupais l’espace au sol avec mes sculptures. Cette expérience m’a encouragé à poursuivre cette direction dans ma pratique.
Une partie de la raison est que j’ai été profondément impliqué dans l’enseignement. J’ai passé 12 ans en tant que professeur d’art à l’International School of Kenya, ce qui a constitué un tournant majeur dans ma vie et dans ma carrière. J’ai pris ma retraite de l’enseignement en 2024, à 65 ans, lorsque mon contrat est arrivé à son terme. J’aurais pu continuer à enseigner, mais j’ai estimé qu’il était important de laisser la place à une génération plus jeune. En même temps, c’était aussi le bon moment pour revenir pleinement à mon travail en studio et explorer de nouvelles possibilités.
M’éloigner de l’enseignement m’a permis de réfléchir à ce sur quoi je voulais me concentrer à ce stade de mon parcours artistique. J’ai décidé de me consacrer entièrement à la redéfinition de ma pratique et au développement d’idées que je portais depuis de nombreuses années. Lorsque je suis revenu sur la scène artistique, beaucoup de personnes étaient enthousiastes à l’idée de découvrir les nouveaux projets auxquels je pouvais enfin consacrer mon temps et mon énergie.
La sculpture demande aussi du temps pour se développer en un corpus cohérent. Parfois, les œuvres restent longtemps en atelier pendant que je continue à les affiner, et à d’autres moments, les commandes peuvent être très exigeantes et chronophages. Beaucoup de facteurs peuvent réduire le temps nécessaire pour préparer une exposition personnelle. Pour présenter un solo show solide, il faut à la fois du temps et un ensemble d’œuvres conséquent.
Personnellement, j’aime explorer les idées sous forme de séries. Ancestral Grain, par exemple, se concentre sur la sculpture fonctionnelle et explore profondément le bois comme matériau. Les œuvres présentées dans cette exposition ont nécessité près de deux ans de travail.
“La sculpture fonctionnelle est un projet que je développe depuis longtemps, une idée qui s’est construite progressivement au fil du temps.”
Ancestral Grain Opening Reception | Image courtesy of Godwin Olusegun
Alice KAMANZYA : Parlez-nous de votre parcours avec le bois comme matériau principal dans Ancestral Grain.
Gakunju KAIGWA : J’ai travaillé avec une grande variété de bois dans cette exposition, notamment le kijabe, le chêne, le manguier, l’eucalyptus, le podo, le palmier, le cyprès, le cèdre, l’acajou et le jacaranda. Le tronc lui-même est une partie essentielle de l’arbre, et presque toutes les pièces de l’exposition — à l’exception d’une seule — ont commencé à partir d’un unique bloc de bois. J’ai en quelque sorte extrait ce dont j’avais besoin de l’arbre jusqu’à atteindre la forme désirée.
Ce qui est assez remarquable, c’est qu’à part les deux tables Menengai et Mugumo, la plupart des œuvres ont été réalisées à partir d’une seule pièce de bois. Ces deux tables combinent jusqu’à trois types de bois différents, ce qui rend le processus plus complexe, car les pièces fonctionnelles nécessitent souvent l’assemblage de deux ou trois sections distinctes.
J’ai choisi de me concentrer sur le bois en raison de son caractère unique et de sa chaleur. Bien sûr, la sculpture fonctionnelle peut aussi être réalisée en métal ou en pierre, mais le bois possède une certaine intimité. Lorsqu’on le touche, on ressent immédiatement sa chaleur et sa présence à travers les mains. Il est accueillant et vivant d’une manière que d’autres matériaux ne permettent pas toujours. C’est pourquoi j’encourage toujours les gens à s’asseoir sur les chaises, à toucher les œuvres et à interagir librement avec elles. Je leur dis d’en profiter pleinement, car c’est là toute l’essence de la sculpture fonctionnelle.
Créer des sculptures fonctionnelles est une expérience profondément stimulante pour moi, et ce corpus n’est qu’une étape dans une exploration continue. Je développe actuellement un nouveau projet lié à des réflexions autour de la féminité, ce qui m’enthousiasme beaucoup et ouvre, je crois, une nouvelle direction intéressante dans ma pratique.
“Lorsqu’on le touche, on ressent immédiatement sa chaleur et sa présence à travers les mains. Il est accueillant et vivant d’une manière que d’autres matériaux ne permettent pas toujours. C’est pourquoi j’encourage toujours les gens à s’asseoir sur les chaises, à toucher les œuvres et à interagir librement avec elles.”
Public : Je vous ai observé travailler et j’ai remarqué à quel point vous êtes profondément absorbé dans le processus, comme si vous vous retiriez dans un autre espace. Vous avez aussi mentionné qu’une fois une œuvre terminée, vous êtes parfois vous-même surpris du résultat. Pouvez-vous nous en dire plus sur votre parcours d’artiste et sur ce qui traverse généralement votre esprit pendant la création ?
Gakunju KAIGWA : Je pense qu’il existe un certain élément que partagent la plupart des créatifs. Lorsque vous faites de l’art, vous devenez le gardien de l’œuvre. C’est un privilège de prendre une idée — quelque chose d’invisible et d’imaginé — et de la transformer en forme physique. Être créatif est à la fois un don et un talent, et une fois que vous réalisez que vous l’avez, vous devez décider quoi en faire.
Pour moi, il y a quelque chose de magique dans le processus. Parfois, cela paraît même irréel. En y réfléchissant plus profondément, je me rends compte de la puissance de la création — partir d’un tronc ou d’un morceau de bois brut et le transformer en quelque chose de significatif et de beau. D’une certaine manière, le processus me dépasse. Je me contente de laisser l’énergie créative circuler et j’essaie de ne pas y résister.
À la fin d’un projet, je ressens souvent à la fois de la joie et de la surprise face à ce qui a émergé. Créer ainsi demande aussi beaucoup d’humilité, que je considère comme une qualité essentielle pour tout artiste. Ce que j’aime le plus, c’est vivre l’ensemble du parcours de l’œuvre — du premier geste ou de la première idée jusqu’à la pièce finale. Le processus en lui-même est profondément gratifiant, et cette sensation de merveille ne disparaît jamais vraiment.
Public : Je suis forestier, et je m’interroge sur votre contribution à la conservation des forêts, étant donné que la plupart de vos œuvres reposent sur du bois issu d’arbres coupés.
Gakunju KAIGWA : C’est une question très importante. Au fil des années, j’ai construit des relations solides avec des professionnels du bois le long de Limuru Road, qui interviennent principalement pour dégager des arbres sur des chantiers de construction ou enlever des arbres tombés lors de tempêtes. Je ne me rends jamais dans une forêt pour sélectionner et abattre des arbres spécifiquement pour mon travail. Au contraire, nous avons un accord selon lequel ils me contactent lorsqu’ils disposent de troncs pouvant être adaptés à la sculpture.
Je travaille souvent avec de l’eucalyptus, qui n’est pas une espèce indigène. C’est un bois dur qui offre des arêtes très nettes une fois coupé, ce qui me permet d’obtenir certaines des formes plus précises et plus raffinées que l’on peut voir dans mes œuvres.
Je viens aussi d’une famille qui accorde une grande importance aux arbres et à la conservation. Mon défunt frère était particulièrement engagé dans la plantation d’arbres et la protection des forêts, et il a fortement influencé ma manière de penser. Personnellement, j’aime vivre dans des lieux entourés d’arbres ou proches de forêts, et la plantation d’arbres a toujours fait partie de ma vie. Au fil des années, j’ai moi-même planté un grand nombre d’arbres et je crois profondément à la nécessité de protéger notre environnement naturel.
Dans de nombreux cas, le bois que j’utilise aurait autrement été jeté ou transformé en charbon de bois. En transformant ces troncs en sculptures et en objets fonctionnels, j’ai le sentiment de prolonger la vie de l’arbre sous une autre forme, une forme qui continue d’exister et de servir au quotidien. La conservation est donc une préoccupation constante, dans ma pratique comme dans ma vie personnelle.
Olenguruone, 2025, Mango Wood | Courtesy of the Artist
Kijabe, Eucalyptus Wood, Courtesy of the Artist
Public : Comment êtes-vous arrivé dans le milieu académique, et cela a-t-il eu un impact sur vous ?
Gakunju KAIGWA : Au départ, je n’avais aucun projet de me tourner vers l’enseignement. Une amie m’a présenté comme enseignant remplaçant pendant qu’elle faisait face à des problèmes de santé qui nécessitaient une longue absence. Je suis intervenu temporairement, mais sa période de convalescence a duré plus longtemps que prévu, et on m’a finalement demandé de prendre le poste d’enseignant d’art principal. Sans m’en rendre compte, j’ai passé 12 ans à enseigner sans jamais l’avoir réellement planifié.
L’enseignement a été profondément enrichissant, car il m’a permis de transmettre des connaissances, notamment à de jeunes élèves. En même temps, enseigner vous apprend énormément. Les étudiants étaient particulièrement brillants et ambitieux, toujours en train de proposer des projets intéressants, soutenus par des recherches et des ressources solides. Cela a constitué un tournant majeur dans ma vie. Parfois, on se lance simplement dans quelque chose et l’on grandit à travers le processus.
Certains de ces étudiants ont ensuite poursuivi des études artistiques et sont revenus avec des parcours inspirants, ce qui m’a procuré une véritable fierté, en sachant que j’avais contribué à leur cheminement. L’enseignement peut demander beaucoup d’énergie, mais il est au final extrêmement gratifiant.
Durant cette période, cependant, j’ai passé moins de temps dans mon atelier et je me suis davantage consacré à l’enseignement. Il y a des projets, comme un jeu d’échecs que je développe depuis longtemps, que j’espère encore pouvoir finaliser bientôt. Je n’ai pas toujours pu me concentrer pleinement sur ma pratique personnelle, car d’autres responsabilités apparaissaient sans cesse. Il y avait aussi une certaine sécurité liée à un salaire stable, ce qui, d’une certaine manière, a ralenti la trajectoire de ma carrière et réduit ma visibilité dans le monde de l’art.
Aujourd’hui que je suis de retour en atelier, j’ai enfin la possibilité de poursuivre de nombreux projets et idées que je portais depuis des années. Je ressens aussi une forte urgence de rattraper ces 12 années de pause. En même temps, l’enseignement m’a transmis des leçons précieuses — notamment la discipline et le respect du temps — et je reste reconnaissant pour tout ce que j’ai appris au contact de la jeune génération.
“Pour moi, il ne s’agit pas de choisir entre les deux. La réussite personnelle et l’impact positif que l’on a sur les autres peuvent coexister, et les deux sont également importants et profondément enrichissants.”
In studio - Gakunju Kaigwa | Courtesy of the Artist
Public : Au cours de ces 45 dernières années, qu’est-ce qui vous procure le plus de fierté — votre réussite personnelle ou l’impact et la portée que vous avez eus dans la vie des autres ?
Gakunju KAIGWA : Les deux aspects me procurent une grande joie. Je suis fier du travail que je crée, et j’espère toujours que les gens peuvent s’y connecter et y trouver un écho. Une œuvre réussie est une œuvre qui communique avec les gens à un niveau plus profond.
Ce que je trouve particulièrement gratifiant dans l’enseignement et le mentorat, c’est le moment où l’on introduit quelqu’un à une idée ou à une compétence qu’il n’avait jamais rencontrée auparavant, et qu’on l’accompagne dans sa compréhension. Aider les autres à élargir leur perspective, à élever leur manière de penser et à voir le monde différemment est quelque chose de très important pour moi. C’est un privilège — l’une des formes de beauté les plus pures et les plus authentiques.
Mon ami proche, le regretté Patrick MUKABI, a passé de nombreuses années dans le milieu et a consacré une grande partie de sa vie à soutenir et guider de jeunes artistes dans leurs parcours. Il a eu un impact extraordinaire sur beaucoup de personnes et restera toujours reconnu pour cette générosité et cet engagement. Pour moi, il ne s’agit pas de choisir entre les deux. La réussite personnelle et l’impact positif que l’on a sur les autres peuvent coexister, et les deux sont également importants et profondément enrichissants.
Public : Avez-vous des projets visant à créer des opportunités de mentorat pour partager votre vaste savoir et votre expérience en sculpture avec de jeunes artistes de votre communauté, au-delà du temps que vous avez déjà consacré à l’enseignement ?
Gakunju KAIGWA : On me demande souvent, puisque j’ai déjà travaillé comme enseignant, si je pourrais envisager de créer une institution artistique ou des structures plus formelles pour enseigner l’art. J’ai toujours adopté une approche de porte ouverte dans ma pratique, en accueillant toute personne intéressée par l’art et la sculpture — enfants comme adultes.
J’ai moi-même énormément bénéficié d’un apprentissage en atelier, d’environ quatre mois, auprès de l’un de mes mentors. Le regretté John Oduoch avait vu mon travail dans une galerie et m’avait invité à collaborer avec lui sur un projet à African Heritage. Avec le recul, les compétences et techniques que j’ai apprises sous sa direction ont eu un impact considérable sur mon parcours artistique. Non seulement mon style a évolué, mais ma manière de penser et mon processus créatif ont également changé de façon significative. Il m’a même appris à souder. Cette approche très pratique de l’apprentissage est souvent l’une des plus efficaces pour véritablement comprendre un métier.
Aujourd’hui, je travaille depuis mon atelier au Kuona Artist Collective à Kilimani, où nous accueillons plus de 30 artistes travaillant dans des disciplines variées, allant de la maroquinerie à la joaillerie, en passant par la sculpture. Nous recevons également de nombreuses visites d’enfants, d’écoles et d’étudiants universitaires qui viennent découvrir le lieu et apprendre différentes pratiques créatives. Des institutions comme le BuruBuru Institute of Fine Arts continuent de jouer un rôle important dans la formation des jeunes talents, et je souhaite également reconnaître l’Université de Kenyatta pour ses efforts constants dans le soutien aux étudiants et à la créativité. De nombreux étudiants suivent un stage de deux mois, et à la fin du programme, leur progression est remarquable.
Il existe énormément de talent, et une dynamique créative très positive. Maintenant que je suis moins occupé par mes obligations d’enseignement, je sens que j’ai davantage de temps pour réfléchir sérieusement à la création d’ateliers courts, d’initiatives de mentorat ou de programmes artistiques communautaires susceptibles de soutenir la prochaine génération d’artistes.
Elementaita, Eucalyptus Wood, 2025, Courtesy of Artist
Découvrez le travail de Gakunju KAIGWA dans Ancestral Grain, curaté par Tewasart and Patrons, ainsi que dans ses espaces personnels.
