Quand la vie le défie, il la défie en retour. Yann KWETE a un objectif précis et qui n’a jamais réellement changé : faire rayonner l’art contemporain africain au-delà des frontières et des attentes. Depuis ses débuts en tant que galerie nomade et ses présences sur foires telles que 1-54 Londres, AKAA ou encore Scope à Miami, le fondateur de la galerie KUB’ART porte en lui un élan et un dynamisme à l’abri de toute épreuve. Seulement aujourd’hui les choses sont différentes, le ton est posé, le regard réfléchi au vu de l’enjeu : l’ouverture de la galerie KUB’ART à Montréal à L'édifice Belgo épicentre de galeries contemporaines dans la ville canadienne. À deux jours du lancement de l’exposition d’inauguration Traversées, nous revenons ensemble sur ce nouveau chapitre : entre anticipation et engagement
Yann KWETE à l’aube de l’ouverture de la galerie KUB’ART à Montréal
C’est en pleine installation de Traversées, l’exposition d’inauguration de KUB’ART Gallery à Montréal que nous retrouvons Yann KWETE et alors que la galerie investit l’Édifice Belgo, immeuble de standing qui regroupe la plus grande concentration de galeries d'art contemporain au Canada. À deux jours de l’ouverture et un peu plus d’un an après notre dernière conversation sur Mayì-Arts, le galeriste originaire de la République Démocratique du Congo revient sur cette étape majeure de son parcours.
MAYÌ-ARTS : Lors de notre première conversation il y a maintenant plus de deux ans, vous présentiez la galerie KUB’ART comme une invitation pour les Africains à se reconnecter à leur culture ancestrale dans une ère de mondialisation. Cinq ans plus tard, où en êtes-vous dans cette réflexion ?
Yann KWETE : À la genèse de KUB’ART, il y avait cette envie de promouvoir la créativité africaine contemporaine à l’échelle internationale, de valoriser la création des artistes. Mais l’idée, c’était aussi de voir comment décentrer nos regards, comment nous positionner. Vivant en Amérique du Nord depuis maintenant une dizaine d’années, nous faisions des foires, mais il était important pour nous, dans cette croissance, de réfléchir à la manière de nous établir quelque part. Après avoir compris comment fonctionne le marché ici, j’ai réalisé que ce qui manquait, c’était vraiment un espace dédié à la scène afro-diasporique, caribéenne et africaine à Montréal.
Il y a des galeries qui représentent des artistes africains et afro-diasporiques mais, au fil des échanges, se pose toujours la question de la légitimité pour certains qui parfois laissent les artistes parler eux-mêmes de leur travail ou travaillent avec des curateurs qui comprennent leur démarche, leurs conditions, leur vécu. Aujourd’hui, être un Africain, un Noir, qui représente des artistes ici à Montréal, c’est aussi pouvoir proposer cet espace dédié, sans pour autant les y cantonner. C’est avoir quelqu’un qui comprend et qui peut parler de leur travail depuis une réalité, un vécu qu’il connaît, parce qu’il vient de là-bas. Nous avons finalement eu cette opportunité d’ouvrir la galerie à Montréal, et c’est ce qui est en train de se concrétiser aujourd’hui.
MAYÌ-ARTS : Vous évoquez l’importance de raconter nos propres récits. Comment valoriser ces héritages culturels sans enfermer l’art contemporain africain dans une lecture folklorique ?
Yann KWETE : Pour moi, l’important, c’est de refuser que l’héritage serve d’étiquette. Je viens du royaume Kuba, connu pour ses textiles, ses motifs, ses masques. Cet héritage est ma source mais il n’est pas une obligation de style pour les artistes qui défendent cet art africain. Ledit art africain contemporain ne doit pas rester confiné à une lecture folklorique. Il appartient à un mouvement artistique mondial, avec ses débats, avec ses ruptures et avec ses formes. L’art africain appartient à un mouvement artistique mondial. On a eu le japonisme, les expressionnistes abstraits, les expressionnistes. Tous ces mouvements font partie de l’art. Quand on parle de l’art africain contemporain, c’est aussi un mouvement artistique mondial.
“Cet héritage est ma source mais il n’est pas une obligation de style pour les artistes qui défendent cet art africain. ”
MAYÌ-ARTS : Avant d’ouvrir cet espace, vous avez travaillé de manière nomade, notamment à travers les foires, en Amérique et en Europe. Qu’avez-vous appris sur le marché, sur les artistes et comment cela a-t-il influencé votre vision de la galerie ?
Yann KWETE : Il faut revenir aux origines : notre ambition première était la mémoire. La galerie est née d’un geste d’archive avant d’être un geste de marché. En 2015, avec mon cousin, nous avions imaginé un recensement en ligne des œuvres de notre royaume, destiné à valoriser et à faire connaître notre patrimoine royal Kuba. Nous souhaitions le numériser pour en conserver des traces et en assurer la transmission. La galerie a ensuite pris forme en 2020, en pleine pandémie, avec une première exposition numérique. Six ans plus tard, trois enseignements s’imposent.
Le premier, c’est que le numérique donne une adresse, pas une relation. Une œuvre se regarde, mais elle s’achète aussi sur la confiance, grâce à la présence de quelqu’un que l’on peut rencontrer. Le deuxième, c’est que les foires offrent une légitimité et un public que nous n’aurions pas pu atteindre seuls. Elles nous ont permis de présenter les artistes à de nouveaux interlocuteurs, notamment institutionnels. Voir une œuvre de Rachel Malaïka rejoindre la collection du Musée Ackland en Caroline du Nord, par exemple est un accomplissement. Le troisième, c’est qu’une foire ne dure que quelques jours : on y installe un stand, on convainc, puis on démonte. Mais cela ne s’inscrit pas dans la durée, on n’y construit pas une conversation à long terme.
MAYÌ-ARTS : Qu’est-ce qu’un espace permanent permet de construire au-delà des rencontres en foire ?
Yann KWETE : Dans une foire, nous sommes présents trois ou quatre jours. Nous pouvons convaincre, vendre et nouer des liens. Mais une véritable relation avec un collectionneur se construit dans la durée : elle s’entretient, elle se nourrit. La galerie offre un lieu où cette confiance peut grandir. Les collectionneurs ont envie de découvrir les artistes, de voir leurs œuvres et de revenir à chaque exposition. Pour moi, il était donc important d’avoir cet espace. Le modèle nomade est aussi très coûteux et fragile : il dépend de la logistique, des taux de change et des invitations. La visibilité acquise en foire est réelle, mais elle ne se transforme pas d’elle-même en soutien durable.
MAYÌ-ARTS : Comment la présence d’une galerie vient-elle prolonger ce travail ?
Yann KWETE : Chacun a son cheminement. Certains ouvrent d’abord une galerie, constituent une base de collectionneurs, puis participent aux foires. Moi, j’ai commencé dans l’autre sens. Pendant trois ans, j’ai fait des foires et rencontré beaucoup de monde. Mais il arrivait que des collectionneurs m’appellent de passage à Montréal et je n’avais pas de lieu pour les recevoir. C’était une occasion manquée de poursuivre la rencontre.
Associer les foires à un espace permanent permet de renforcer cette relation. Un collectionneur de passage peut venir, découvrir une exposition, voir le lieu. Cela rassure et rend tangible notre engagement auprès des artistes : il y a un investissement, une volonté de construire quelque chose dans la durée.
Le modèle nomade est stimulant, surtout au début, mais il est aussi coûteux. Avec l’expérience, on mesure les difficultés logistiques et les incertitudes d’un marché qui reste instable.
Avoir des murs et organiser des expositions n’est pas non plus une garantie. Il faut mener un travail de fond, aller à la rencontre de sa communauté, bâtir des relations. Cela peut prendre un, deux ou trois ans. Mais progressivement, une base se constitue : des collectionneurs suivent la galerie, attendent les nouvelles œuvres d’un artiste, parfois s’inscrivent sur une liste d’attente. Quand on revient ensuite en foire avec cet ancrage, le regard porté sur la galerie est différent.
MAYÌ-ARTS : Vous mentionnez l’importance des relations. Quelle place occupent-elles dans votre parcours et dans la construction de la galerie ?
Yann KWETE : Nous faisons un métier profondément humain où les sensibilités occupent une grande place. C’est aussi un tout petit monde : à Londres pendant 1-54, à Bruxelles pendant Africa Legacy, à New York ou à Miami, on retrouve souvent les mêmes personnes. Ces relations, il faut les préserver et en prendre soin. Mais elles se confrontent aussi à des réalités très concrètes. On ne peut pas tout promettre ni tout faire. Les difficultés financières, notamment, peuvent provoquer des tensions, parfois des ruptures. Lorsqu’on participe à une foire à Miami, certains pensent que cela signifie qu’il y a de l’argent. Derrière cette présence, il y a pourtant des sacrifices et des concessions, qui peuvent aussi peser sur la vie personnelle.
Le relationnel reste le cœur du métier. On présente une personne à une autre, qui en rencontre une troisième. Peu à peu, un noyau se forme. C’est à travers ces liens que la galerie se construit.
MAYÌ-ARTS : Au fil des projets que vous avez présentés, votre démarche curatoriale s’est affirmée. Quel angle souhaitez-vous développer aujourd’hui dans la galerie ?
Yann KWETE : Ce qui m’importe, c’est de raconter notre propre histoire. Pendant longtemps, d’autres l’ont fait à notre place, à travers l’ethnographie, les musées coloniaux, les maisons de vente ou les commissaires venus d’ailleurs. Les œuvres étaient montrées, mais rarement expliquées avec les mots de ceux qui les créaient ou de ceux qui les connaissaient de l’intérieur.
Dans la galerie, je souhaite que ce récit soit porté par des voix proches : les artistes eux-mêmes, mais aussi des commissaires et des critiques issus de ces scènes. Cela passe par des textes bilingues et un travail de documentation. Si nous ne documentons pas, nous laissons d’autres écrire à notre place. Chaque exposition donne ainsi lieu à un texte curatorial, à des images de qualité, à des entretiens ou à un catalogue. C’est aussi dans cet esprit que j’ai conçu Traversée, avec des textes qui assument un point de vue personnel.
MAYÌ-ARTS : Vous définissez Traversées comme un point de rencontre plutôt qu’un point d’arrivée. Est-ce également votre vision de la galerie : un lieu où se rencontrent les personnes et les géographies ?
Yann KWETE : Pour moi, traverser, ce n’est pas seulement aller d’un lieu à un autre. C’est aussi porter quelque chose avec soi : une mémoire, un visage, une histoire, parfois même une question qui refuse de disparaître.
Traversées est née de cette idée simple et profonde : nos identités ne sont jamais immobiles. Elles se construisent dans les déplacements, dans la rencontre, dans la confrontation avec l’autre et dans ces espaces intermédiaires où plusieurs mondes peuvent coexister.
Molimo, Anastasie LANGU
MAYÌ-ARTS : Qu’est-ce qui réunit les quatre artistes de cette exposition inaugurale ?
Yann KWETE : Nous avons réuni quatre artistes, certains avec qui j’avais déjà travaillé, d’autres avec qui je collabore pour la première fois. Leurs pratiques, différentes par leurs médiums et leurs trajectoires, se rencontrent autour d’une même interrogation : que devient une identité lorsqu’elle traverse les frontières ? Chacun aborde cette question à travers une dimension particulière de la mémoire et de l’expérience du déplacement.
Anastasie LANGU traverse la mémoire, chez elle, la traversée devient intime : elle se loge dans les gestes, les corps, les objets, les récits et les silences. Son travail interroge ces héritages qui ne sont pas toujours écrits, mais qui se transmettent d’une génération à l’autre. Dans la série que nous présentons, les masques constituent une interface entre le visible et l’invisible, entre l’héritage ancestral et le présent. Notre première collaboration portait d’ailleurs sur une thématique intitulée Racines ancestrales.
Héritier BILAKA, traverse le présent. C’est un artiste congolais, installé au Canada depuis plusieurs années et titulaire d’une maîtrise en arts visuels de l’Université d’Ottawa. Il décrit la peinture comme un voyage en esprit. Les traces de son parcours deviennent des matières picturales. Son travail introduit dans Traversées un déplacement du regard. La traversée est une expérience de perception.
Armand DIANSAMBU vit et travaille au Québec et explore la traversée du « nous ». Sa pratique, qui associe notamment l’installation, la peinture et la performance, porte une mémoire liée à la philosophie bantoue : « J’existe parce que nous sommes. » Le « je » prend sens dans le « nous ». Il s’inspire de sa propre expérience de solitude lorsqu’il s’est installé en Amérique du Nord. Comme chez Anastasie Langu, il réactive des archives invisibles et des souvenirs familiaux pour les transformer en énergie vitale par le geste performatif. Pour lui, créer est aussi une manière de s’extraire de l’emprise coloniale sur son identité et sur celle des peuples afro-diasporiques.
Enfin, j’ai découvert le travail de Desmond BEACH à Venise, au hasard d’une visite au Centre culturel européen, qui présentait une exposition collective pendant la Biennale. Sa démarche rejoint des réflexions qui nourrissent depuis longtemps mon travail curatorial : la spiritualité, les cultures ancestrales et la manière de maintenir un lien avec nos valeurs dans un monde traversé par la modernité et la mondialisation. Son travail remonte à une histoire ancienne, celle de la traversée de l’Atlantique et du passage du milieu. Artiste interdisciplinaire, chercheur et enseignant, il explore la vie noire en Amérique et les violences qui continuent de la hanter, de la traite transatlantique aux lois Jim Crow.
Son travail élargit ainsi la géographie de l’exposition à l’Atlantique noir et à la diaspora nord-américaine, en résonance avec les trajectoires congolaises, belges et canadiennes réunies dans Traversées.
MAYÌ-ARTS : Au-delà des expositions, le métier de galeriste repose sur un travail de fond, souvent invisible. Comment souhaitez-vous accompagner les artistes et développer leur carrière dans la durée ?
Yann KWETE : La visibilité est un début, jamais un résultat en soi. Un artiste peut être très exposé sans bénéficier d’un soutien durable. Celui-ci repose sur des choses concrètes : des collectionneurs qui reviennent et suivent un parcours au-delà d’un coup de cœur, des acquisitions institutionnelles qui inscrivent une démarche dans le temps, des prix cohérents d’une exposition à l’autre, un partage des revenus transparent et formalisé par écrit, mais aussi un accompagnement éditorial qui laisse une trace.
Je reviens souvent à l’exemple de l’acquisition d’une œuvre de Rachel Malaïka par le Musée d’Ackland, à la suite d’une foire. C’est encourageant : cela montre qu’une rencontre sur le marché peut conduire à une entrée dans une collection publique. C’est ce que je souhaite développer à Montréal, auprès des collectionneurs privés comme des institutions.
Le marché de l’art africain connaît aussi des phénomènes de mode. Une région ou une esthétique suscite un intérêt particulier, puis le regard se déplace. Le risque, pour une galerie, serait de suivre cette vague puis de délaisser les artistes lorsqu’elle retombe. Je souhaite au contraire tenir un engagement à long terme, quitte à vendre moins vite. Cela demande un modèle économique solide, et c’est pour cette raison que nous avons pris le temps de consolider notre projet.
La priorité reste la qualité artistique, la profondeur de la proposition, le récit et le regard. Il ne s’agit pas d’encourager un artiste à faire du textile parce que le textile est recherché, ou à reprendre une forme parce qu’elle se vend. Il faut préserver sa liberté d’expression tout en maintenant une exigence dans le travail, dans les textes et dans la construction conceptuelle de sa démarche.
“La priorité reste la qualité artistique, la profondeur de la proposition, le récit et le regard. Il ne s’agit pas d’encourager un artiste à faire du textile parce que le textile est recherché, ou à reprendre une forme parce qu’elle se vend. Il faut préserver sa liberté d’expression tout en maintenant une exigence dans le travail, dans les textes et dans la construction conceptuelle de sa démarche.”
MAYÌ-ARTS : Votre parcours témoigne d’une volonté d’ouvrir des voies et de concrétiser votre vision. Qu’est-ce qui vous pousse à poursuivre cette aventure ?
Yann KWETE : Plusieurs choses. On me voit souvent comme quelqu’un qui voyage beaucoup. On voit moins le prix de ces voyages : les départs, les renoncements, les participations aux foires sans garantie de résultat.
Ce qui me soutient, c’est d’abord le souvenir d’une époque où peu de gens comprenaient ce que je faisais. En 2013, j’avais lancé un festival à Kinshasa, KIN-GRAFF. Le projet était alors difficile à faire comprendre. Cette expérience m’a appris qu’une idée qui paraît incompréhensible peut devenir évidente, à condition de tenir. Il y a aussi la confiance des artistes, les premières œuvres qui entrent dans les collections de musées, les rencontres, une personne qui reste devant une pièce plus longtemps que prévu. Et cette conviction : si nous ne bâtissons pas ces lieux, d’autres raconteront ces histoires à notre place.
Mais je ne veux pas idéaliser la persévérance. Elle a un coût : elle fatigue, elle isole, elle implique des absences et peut s’accompagner d’échecs financiers. On en parle peu. C’est pourquoi il est essentiel de bien s’entourer, de constituer une équipe, de s’appuyer sur un comité consultatif, de construire un modèle économique viable et d’apprendre à dire non.
Je suis passionné, artiste dans l’âme. J’ai parfois eu tendance à m’engager avec enthousiasme sans mesurer suffisamment les moyens nécessaires. Cela demande de l’humilité : savoir reconnaître qu’on n’est pas prêt ou qu’un projet doit attendre.
Aujourd’hui, j’essaie de prendre davantage de recul, de faire le bilan d’un projet avant d’en commencer un autre. Certaines expériences difficiles m’ont appris à mieux évaluer mes engagements. Il faut aussi reconnaître sa part de responsabilité : parfois, une collaboration se passe mal parce qu’on n’a pas su dire non ou affronter certaines réalités à temps.
La passion doit trouver un équilibre avec les exigences du quotidien. L’espoir et la passion ne les paient pas les factures. Pourtant, ce qui continue de m’animer, c’est de construire un projet et de voir un artiste grandir. Commencer à travailler avec un artiste qui n’a encore jamais participé à une foire, à qui peu de personnes ont fait confiance pour voir son travail entrer dans une institution quelques années plus tard. On se dit alors qu’on n’a pas semé dans le désert.
Même si nos chemins se séparent, je reste heureux de voir cet artiste évoluer. Avoir contribué à ce parcours, avoir été parmi les premières personnes à y croire, cela compte. Nous ne faisons pas nécessairement tout le voyage ensemble, mais nous en avons partagé une étape.
Dans le sens d’une aiguille d’une montre : Anastasie LANGU, Héritier BILAKA, Desmond BEACH, Armand DIANSAMBU.
MAYÌ-ARTS : À l’approche de l’ouverture, quel message souhaitez-vous transmettre, un mot de la fin, ou peut-être du début ?
Yann KWETE : Depuis plusieurs années, nous nous attachons à promouvoir la création contemporaine africaine et afro-diasporique. Je porte aussi avec moi le Congo, mon pays d’origine, et cette volonté de faire connaître d’autres images de l’Afrique : celles de personnes qui créent, entreprennent, se déplacent et construisent. J’aimerais transmettre un message d’espoir, encourager à ne pas abandonner, mais aussi à choisir une activité qui nous anime et dans laquelle nous trouvons du plaisir.
Le parcours comporte des erreurs, des déceptions, des relations qui se fragilisent, des engagements que l’on n’a pas réussi à tenir. Il faut pouvoir le reconnaître et en tirer les enseignements pour être mieux préparé.
C’est aussi ce que porte Traversées. Traverser, ce n’est pas simplement aller d’un lieu à un autre : c’est emporter une mémoire, une langue, une blessure, un visage. Nos identités se construisent dans ces déplacements. Ici, la traversée est autant un thème qu’une condition de création.
L’exposition inaugurale ouvre le 12 novembre à l’édifice Belgo, au cœur de Montréal, et se poursuit jusqu’au 15 janvier. Une autre exposition est ensuite en préparation pour février, à l’occasion du Black History Month.
Avec Traversées, nous réunissons quatre trajectoires, plusieurs médiums et aucune définition unique de la traversée. C’est à la fois la force et le défi de cette exposition : faire dialoguer ces voix sans diluer leurs singularités. Les scènes africaines, caribéennes et afro-diasporiques forment une constellation de voix. C’est cette pluralité que nous souhaitons donner à voir.
L’exposition inaugurale de la Galerie KUB’ART ouvre le 12 novembre à l’Edifice Belgo, 372 Rue Sainte-Catherine Ouest, Montréal, QC H3B 1A2, Canada (local 411)
